Was ist Coachella?

Jetzt hat sich der Staub gelegt ... David McGraw blickt auf das erste Wochenende des Coachella Valley Music & Arts Festival 2023 zurück: ein kommerzieller Koloss, der zu einer herausragenden Institution der Musikindustrie geworden ist

Am Sonntagabend des Coachella-Wochenendes 1 wehten, wie jede zweite Nacht an diesem Wochenende, südöstliche Winde vom Pazifischen Ozean über das Land. Kolossale Windsäulen zogen Staub aus dem Boden und in die Luft, über zerdrückten wiederverwendbaren Aluminiumwasserflaschen und den zerlegten Materialresten des Festivals 2023 – es ist, als ob der Mojave ständig versucht, dieses Land wieder in Staub und Sand zu verwandeln. bis es die fein abgestimmte und gut bewässerte Oase von Indio, Kalifornien, verschlingt und eines Tages erneut zur Wüste wird. Frank Oceans bösartiger Sonntagabend-Auftritt von „Weekend 1“ wird jedoch noch eine Weile auf YouTube weiterleben, bis schließlich alle Handyvideos entfernt werden oder vielleicht bis die Datenzentren, in denen sie gespeichert sind, von der Sonne verschluckt werden.

Das Coachella Valley Music & Arts Festival gibt es nun schon seit fast 25 Jahren, hat jedoch seit seiner Gründung erhebliche konzeptionelle Veränderungen erfahren, die durch mehrere entscheidende Erfolge gekennzeichnet waren: Erstens im Jahr 2006, als die Pyramide von Daft Punk einen Wandel hin zum Spektakel in der Tanzmusik herbeiführte, Und erneut in den frühen 2010er-Jahren, etwa zur Zeit der berüchtigten Hologramm-Aufführung von Tupac Shakur, wurde es zum Gesicht einer neuen, produktionsstarken Variante der Festivalkultur, die den Rest des Jahrzehnts prägte. Beyoncés inzwischen legendärer, hochaktueller, aufwendig choreografierter und pyrotechnischer Auftritt im Jahr 2018 setzte einen neuen Standard für Headliner-Acts, den die jüngsten Top-40-Headliner in gewisser Weise an Energie und Extravaganz nachzuahmen versuchten. An den Abenden 1 und 2 lieferten Bad Bunny und BLACKPINK dieses Jahr maximalistische Darbietungen auf der Hauptbühne ab, während Metro Boomin eine ähnlich maximale Gruppe von Hip-Hop-Stars ins Sahara-Zelt brachte, begleitet von einer Legion von Blechbläsern und Tänzern sowie natürlich eine Show aus Pyrotechnik und riesigen LED-Visuals.

Durch diese Momente intensiven Spektakels ist Coachella inzwischen zu einer unbesiegbaren Institution amerikanischer und globaler Musik- und Modemedien geworden, die im Rahmen ihrer jährlichen Zwei-Wochenend-Veranstaltung physisch im Coachella Valley existiert, aber allgemeiner als Archetyp der amerikanischen Festivalkultur gilt insbesondere seine vollständige Kommerzialisierung und Symbiose mit verschiedenen Konzernen wie Adidas und Heineken.

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Während des eigentlichen Festivals gibt es zwar ein Coachella-Publikum in der Wüste Südkaliforniens, aber jeder, der am Wochenende und in den Tagen danach Smartphone-Videoclips, YouTube-Streams und das Lesen von Gedankenbeiträgen sieht, ist ebenso ein Publikum für dieses Festival wie die Kunden, die exorbitante Geldbeträge zahlen, um ein Airbnb mit ihren Freunden zu teilen oder vor Ort zu campen. Ebenso wie die unzähligen Influencer und Gesichter der Musikindustrie, die sich ebenfalls auf dem Gelände tummeln. Angesichts des Wettrüstens in den sozialen Medien im letzten Jahrzehnt und der allgegenwärtigen Verbreitung von Handykameras, die direkt in diese Netzwerke einspeisen, ist jeder Zentimeter von Coachella eine Bühne (auch wenn es eher wie die schickste amerikanische Staatsmesse aussieht, die es gibt, mit großen interaktiven Kunstwerken, darunter eine Der auf Instagram berühmte regenbogenfarbene Turm, umgeben von Musikzelten und einem riesigen Riesenrad), und wohl alle Besucher, unabhängig davon, ob sie einen Auftrittsplatz im Programm haben oder nicht, kleiden sich für einen Auftritt in den sozialen Medien – es ist, als ob Jeder auf dem Gelände verbrachte Moment wird live in soziale Netzwerke übertragen. Jeder Teilnehmer spielt die Rolle eines Statisten in der Coachella-Geschichte eines anderen.

Die unwahrscheinliche Entwicklung des Festivals, von einer Verbindung von Punk- und Rave-Promotion auf dem Gelände des Empire Polo Clubs in den späten 90er Jahren zu der gigantischen Medieninstitution, die es heute ist, hat dazu geführt, dass sich das Festival immer weiter von der Konzeption des 20. Jahrhunderts entfernt hat Was ein Musikfestival ausmacht, wurde stattdessen zum vorherrschenden Beispiel der Kommerzialisierung im Festivalbereich in der Musikindustrie, was sich insbesondere daran zeigt, wie stark das Festival die aufkeimende Influencer-Marketing-Branche umworben hat (und nun eng mit ihr verbunden ist). Allerdings ist es nach einem ganzen Wochenende im allumfassenden Endorphin-Trichter von Coachella, bei dem alle Synapsen ausgefranst und das Geld ausgegeben war, bemerkenswert klar, dass die ganze Operation unter all dem zusammenbrechen würde, ohne Goldenvoices konsequentes, kluges Booking von Dutzenden von Künstlern die Höhepunkte ihrer kreativen Fähigkeiten und Karrieren als Künstler, und das Festival bietet diesen Künstlern eine Vielzahl einzigartiger Bühnen mit unterschiedlichen Persönlichkeiten, auf denen sie jedem, der sie zufällig miterlebt, immer wieder einmalige Auftritte geboten haben. Das Publikum, das außergewöhnlich viel Geld ausgegeben hat, um zum Festival zu kommen, erwartet nichts weniger als Perfektion.

Am Donnerstagabend vor Beginn des Festivals erreichten die Wüstenwinde ihren Höhepunkt, fegten durch die Campingplätze und das Festivalgelände und rissen alles weg, was sich löste, darunter auch die Zelte, die die Festivalbesucher hastig aufgebaut hatten, um ihr Lager für das kommende Wochenende aufzuschlagen. In der Ferne konnte man sehen, wie sich der obere Teil des legendären Sahara-Zeltes, das man mit der Sicherheitskuppel von Tschernobyl verwechseln könnte, über den Palmen erhob und violettes Licht bis zu den Wolken reichte, während die Produktionsteams während des Festivals die ganze Nacht hindurch arbeiteten vorbereiten.

Als am nächsten Morgen Menschenmengen auf das Gelände strömten, wirkten die riesigen grünen Grasflächen wie eine Oase innerhalb des Festivalkomplexes. Aufgrund der zwangsläufig byzantinischen Sicherheitsmaßnahmen rund um den eigentlichen Veranstaltungsort – Golfwagen, Uniformen und Funkgeräte sind während des gesamten Festivals allgegenwärtig – könnte man Coachella auch optisch mit einem riesigen Militärlager verwechseln, das passiert habe Coachella in der Mitte. Dieses Maß an Sicherheit bereitet allen Beteiligten Kopfzerbrechen, aber angesichts der nicht unbegründeten Befürchtungen vor Waffengewalt in Amerika und der Überfüllung großer Musikveranstaltungsorte nach Vorfällen wie der immer noch jüngsten Gräueltat auf einem Festival in Las Vegas im Jahr 2017 und dem Angriff auf den Nachtclub Pulse in Orlando Im Jahr zuvor und aufgrund von Problemen bei der Massenkontrolle, die zum Ansturm auf die Astroworld im Jahr 2021 führten, erscheint die erhöhte Sicherheit dringend notwendig und verstärkt die Zurückhaltung, die einige nach der COVID-Krise immer noch beim Besuch von Festivals empfinden. Mehrere Zuschauer waren sich einig, dass sie sich durch die umfangreiche Sicherheitspräsenz das ganze Wochenende über vollkommen sicher fühlen konnten; Es gab ihnen die Möglichkeit, sich mehr auf die Musik und das Erlebnis des Festivals zu konzentrieren, ohne um ihre Sicherheit fürchten zu müssen. Als Nebeneffekt mussten diejenigen, die für das Wochenende eine Unterkunft außerhalb des Geländes ergattern konnten, jedoch mit stundenlangen Wartezeiten auf dem Weg zurück auf das Gelände und den extremen Verkehrsstaus, die diese Veranstaltung in die Umgebung mit sich bringt, rechnen.

Das Sonora-Zelt, ein intimer, klimatisierter Raum, der kürzlich zum Festival hinzugefügt wurde und sich in der Nähe der beiden Hauptbühnen befindet, beherbergte eine verstreute Ansammlung jüngerer Acts zu Beginn ihrer Karriere, darunter einige aufstrebende Künstler aus Großbritannien wie Lava La Rue-, Bakar- und Nia-Archive.

Lava La Rue spielten am ersten Tag um 14:00 Uhr ihren allerersten amerikanischen Festivalauftritt im Sonora. Es steht viel auf dem Spiel, aber „es ist wirklich cool, für ein Festival wie dieses gebucht werden zu können, wenn man bedenkt, dass ich nicht das Gefühl habe, dass ich“ „Ich habe tatsächlich schon einmal ordentlich Musik herausgebracht“, sagen sie kurz nach ihrem Auftritt an einem ausklappbaren Tisch neben einigen überfüllten Künstleranhängern.

„Alle diese Buchungen basierten auf zwei EPs, eine davon habe ich geschrieben, als ich 17 war, und die habe ich auf Mixtape und einigen SoundCloud-Sachen veröffentlicht, aber ich habe noch nie etwas veröffentlicht, das mir heiß vorkam.“ Trotz ihrer Bescheidenheit in Bezug auf ihr Gesamtwerk verfügen sie seit einiger Zeit über eine etablierte musikalische und visuelle Identität als Künstler sowie eine starke Bühnenpräsenz, und durch Streaming-Apps und soziale Medien verfügt Lava über eine Fangemeinde, die weit über die Grenzen hinausreicht ihre Heimat West-London.

„Ich denke, dass meine Lieder textlich sehr londonisch und queer sind, und meine Erfahrung als karibischer Migrant der zweiten Generation, der in Großbritannien lebt, meine Musik berührt all diese Dinge und die Gesellschaft. Allerdings hat die Produktion einen Westküsten-Flair, und.“ Ich nehme an, es ist stark von vielen Psychedelika der Westküste inspiriert. Die Hälfte meiner Produzenten, mit denen ich zusammenarbeite, hat ihren Sitz in LA, und man versteht das gewissermaßen schon, aber ich komme aus West-London und ich sage immer meine Musik Das Genre ist West-London trifft auf Westküste.“

Der aufstrebende Star Nia Archives hat am Samstag das Sonora-Zelt geschlossen. „Es war super cool, als britischer Underground-Künstler auf einem der größten Festivals in Amerika aufzutreten und die britischen Sounds einem amerikanischen Publikum näher zu bringen. Ich bekomme Angst vor jeder Show und etwas zu spielen, das so viel Hype und Druck umgibt, hat es geschafft.“ nicht anders! Sonora war eine Stimmung, ich glaube, es war das einzige AC-Zelt vor Ort … Ich war nervös, da mein Set um 22:00 Uhr stattfand und ich gegen einige große Künstler antrat“, sagt sie und bezieht sich auf Eric Prydz‘ HOLO, das nur einen Steinwurf entfernt liegt wegwerfen auf der Outdoor-Bühne, „aber ich war völlig außer Gefecht, als ich sah, wie während des größten Teils meines Sets eine große Menschenmenge auftauchte und die Leute herumschnüffelten!“

Der Druck, einen Coachella-Slot zu haben, ganz zu schweigen von einem, der früher am Tag stattfindet, wirkt sich auf die Teilnehmer aus, aber in jedem Zelt kommen Leute. Laut dem in New York ansässigen DJ Francis Mercier, der im Yuma (Coachellas Zentrum für House und Techno) auftrat, glich es einer LA-Lagerhausparty um Mitternacht und bot sowohl eine Abwechslung von der Hitze als auch eine unglaubliche Auswahl an Tanzmusik zu jeder Zeit Am Samstag um 13:00 Uhr des Tages sagte er: „Zuerst war ich etwas zögerlich, die ersten 10 Minuten waren ein wenig locker. Um 13:45 Uhr waren es gut 400, 500 Leute. Es war ein Tolle Beteiligung. Es kam wirklich schnell in Schwung und wir hatten eine tolle Resonanz im Publikum.“

Mercier musste härter arbeiten, um die Stimmung des Publikums einzufangen, was sie wollten, aber dann stellte sie fest, dass sie ansprechbar waren. „Ich persönlich denke, dass das Publikum in Kalifornien viel herausfordernder ist. Je weiter man nach Osten geht, desto einfacher ist es für mich und die meisten House- und Techno-Künstler. Denn ich denke, in Europa sind die Menschen aufgeschlossener, sie sind offener.“ empfänglich für den Afro-House oder einfach nur für experimentelle Musik im Allgemeinen. Je weiter man nach Osten geht, desto besser funktioniert es. An der Westküste habe ich immer noch das Gefühl, dass amerikanischer Tech-House hier wirklich groß ist. Wenn man dem Publikum nicht viel gibt voller Energie und du machst eine Show, ich denke, sie sind so etwas wie …“

Ein bisschen lethargisch? „Ein bisschen langsam, ja.“

Dennoch war es noch früh und als sein Auftritt um 14:00 Uhr zu Ende war, war das Publikum in Topform.

Merciers Platz auf der diesjährigen Coachella-Show hat für ihn eine gewisse Macht und Bedeutung: „Es ist wirklich wichtig für mich, weil Coachella einige der größten Namen der Branche beherbergt hat, von Leuten wie Tiësto bis Gorillaz, Frank Ocean, Blink 182, Red Hot Chili Peppers, Calvin Harris, was auch immer. Jeder, den man sich vorstellen kann. Um also in dieser Art von Besetzung sein zu können, muss man in den USA und auf der ganzen Welt diese Sichtbarkeit erlangen, da man aus einem kleinen Land wie Haiti kommt , das bedeutet mir wirklich sehr viel. Ich glaube, ich gehöre zu den ganz wenigen Künstlern, oder wahrscheinlich zu den ersten haitianischen Künstlern, die beim Coachella auftreten.“

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Im Yuma, wo die House- und Techno-Fans, die das Festival besuchten, die meiste Zeit verbrachten, erfolgt die Buchung abwechselnd global und wird von der lokalen Tanzmusikszene in Los Angeles gespeist. Über die starke „LA“-Präsenz von Coachella gegenüber der globalen Dance-Music-Branche sagt das in LA ansässige Unternehmen SOHMI (das am ersten Wochenende sowohl im Yuma als auch im Do LaB auftrat): „Ich denke, dass [LA und Coachella] einander ergänzen.“ Ein bisschen. Das Wichtigste, was mir das Gefühl gibt, dass sie sich gegenseitig beeinflussen, sind die Leute, die Szene. Es gibt so viele bekannte Gesichter bei Coachella, die ich in der Clubszene von LA sehe. Es fühlt sich irgendwie so an Wir sind alle zusammen hier draußen in der Wüste, nur auf einem größeren offenen Feld mit weniger Umweltverschmutzung.“

Versteckt in einer Ecke des Geländes, neben einem blumengeschmückten Adidas-Gebäude und glücklicherweise in einiger Entfernung vom Heineken-Haus mit der auffälligen Marke (in dem es zwar eine wilde Reihe von Besuchern gab, das aber unglücklicherweise auch in der Nähe einer großen Bank lag). von Nebengebäuden), ein kleineres Zelt, in dem James Murphy untergebracht war, und die Despacio-Installation von 2manydjs boten ein sanfteres Analogon zum Yuma. Da es zu dunkel war, um drinnen zu fotografieren, ließen die Nachtschwärmer ihre Handykameras fast stehen und stürzten sich in das beeindruckende Soundsystem, bestehend aus sechs Lautsprecherknoten, die jeweils mit McIntosh-Verstärkern ausgestattet waren und kreisförmig um die schachbrettartige Tanzfläche angeordnet waren, über der sich eine Discokugel befand. Da Experimente wie die Handy-Kastrierung von Yondr-Beuteln mittlerweile aus der Mode gekommen sind, scheint die völlige Aufgabe des Beleuchtungskonzepts eine wirksame, weniger invasive Strategie mit dem gleichen Ziel zu sein – in der nahezu völligen Dunkelheit haben sich die Menschen endlich so weit entspannt, dass sie es schaffen Verlieren Sie sich in den seltsamen, wunderbaren Platten, die James Murphy und 2manydjs am Wochenende ausgegraben haben.

Der Anstieg des öffentlichen Bewusstseins für Coachella in den USA ging mit der Drogenpanik des Landes Anfang 2010 einher, die den Konsum von verfälschtem MDMA auf Festivals für elektronische Musik betraf. Beim Coachella-Wochenende 1 dieses Jahres gab es jedoch kaum äußerliche Hinweise auf den Konsum dieser Droge. Im Großen und Ganzen waren Mixgetränke für 18 US-Dollar die Droge der Wahl und nicht Ecstasy. Man könnte das Fehlen psychedelischer Drogen wohl in der fehlenden Interaktion der Menschen untereinander spüren, was auch eine Funktion technologischer Konditionierung und der allgegenwärtigen Haltung des passiven Konsums zu sein scheint; Als wir über das Gelände gingen, gab es ein paar lächelnde Gesichter, aber auch viele erschöpfte und versteinerte Menschen, die von allem überwältigt waren.

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Tanzmusik funktioniert bei Coachella, aber im Allgemeinen funktioniert sie hier im Vergleich zu anderen Festivals nicht besonders gut, da Coachella in Bezug auf Konsum und Spektakel eher hedonistisch ist als gesellschaftliches Vergnügen. Letztlich kommen die Leute hierher, um etwas zu essen und nicht, um Kontakte zu knüpfen. Sie nehmen Musik, teures Essen, 18-Dollar-Getränke und Instagram-Fallen zu sich. Und die Wüste mit Tausenden Pfund Sonnencreme einzuschmieren und sich auf Streetwear-Partnerschaften einzulassen. Mit anderen Worten: Jegliche semantische Verbindung des Namens dieses Festivals mit der Gegenkultur ist zu diesem Zeitpunkt rudimentär.

Der faustische Handel, den Sie mit der Teilnahme am Festival eingehen, besteht darin, dass Sie trotz des mit der Teilnahme verbundenen Aufwands und der damit verbundenen Kosten viele unglaubliche Aufführungen verpassen, mehr, als Sie möglicherweise sehen könnten, selbst wenn Sie mit voller Geschwindigkeit über das riesige Gelände laufen würden, und definitiv mehr, als Sie verpassen würden, wenn Sie nur durch die offiziellen Live-Stream-Kanäle auf YouTube blättern. Es gibt sieben offizielle Bühnen, Do LaB, Despacio und Heineken House nicht mitgerechnet, auf denen im Wesentlichen das gesamte dreitägige Wochenende lang Musik gespielt wird. Glücklicherweise können Sie, wenn Sie engagiert sind, von Ihrem Zelt aus auf YouTube durch die Wiederholungen dessen blättern, was Sie am nächsten Morgen am nächsten Morgen verpasst haben, bevor das Festival wieder beginnt – die alle einen so hohen Produktionswert haben, dass sie das angemessen kommunizieren Erfahrung, diese Künstler tatsächlich persönlich zu sehen. Aber das wirft ein weiteres Problem im Zusammenhang mit der Zukunft des Festivals (und möglicherweise der Live-Musik im Allgemeinen in Zeiten unzähliger DJ-Clips und Live-Streaming-Auftritte) auf: Wenn Sie mehr vom Festival von zu Hause aus auf Ihrem Telefon sehen und einen Gewinn erzielen können Wenn Sie auf diese Weise ein umfassenderes Erlebnis Ihrer Musik genießen möchten, welchen Sinn hat es dann, überhaupt daran teilzunehmen? Der Wert von Coachella liegt darin, dass sich die Künstler der Situation gewachsen zeigen und dass Sie unerwartet, oft unterwegs, auf überragende Darbietungen stoßen.

Die mittelgroße Gobi-Bühne, die sich auf der dem Yuma gegenüberliegenden Seite des Geländes befindet, ist vielleicht das perfekte Zelt für solche unerwarteten Erlebnisse. Overmono spielte am Freitag ein frühes, spärlich besuchtes (aber energiegeladenes) Set, aber diejenigen, die früh ankamen, um SG Lewis auf der Outdoor-Bühne oder Kaytranadas erfolgreiches Set im Anschluss zu sehen, hätten unterwegs auch etwas Overmono miterlebt – Sie konnte beobachten, dass das Interesse der Passanten geweckt wurde und einige von ihnen gezwungen waren, dort zu bleiben.

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Das Line-up am Freitag für das Gobi-Zelt war ein Kunstwerk für sich: Die von Maschinentrommeln geprägten kalifornischen Grunge-Absurdisten The Garden folgten einem absolut ätherischen Auftritt von Yves Tumor, dem eine energiegeladene Darbietung von Tobe Nwigwe vorausging. Doch nachdem The Garden (und ihr Überraschungsgast Mac Demarco) die Gobi-Bühne verlassen hatten, wurde ein großer Stahlkäfig ausgerollt, der bald Whyte Fang (alias Alison Wonderland) beherbergen würde.

Alison ist eine legendäre Figur beim Coachella, sie hat das Festival schon mehrfach gerockt, unter anderem 2019 bei einem monumentalen Auftritt als Headliner in der Sahara. Früher am Tag saß sie während des Auftritts von Pusha T im Künstlerbereich hinter der Hauptbühne an einem Picknicktisch mit dem großartigen Architekten Erick, wo sie beschrieb, wie sie sich kennengelernt und später während der Pandemie in Kontakt gehalten hatten und was sie beide bewegte Hier.

„Ich erinnere mich nicht an den Namen [dieses Festivals], aber sie steckten mich in einen separaten Wohnwagen, weg von allen Künstlern, und es war tatsächlich eine ziemlich bedrohliche Sicherheitslage. Und ich hatte sehr, sehr, sehr Angst und war allein und.“ Ich flippe aus. Draußen höre ich, wie dieses erstaunliche Klavier gespielt wird, direkt vor dieser kleinen Kiste, in die sie mich gesteckt haben. Und ich kannte Erick damals noch nicht. Er spielte nur Klavier, und ich ging raus und tat es Ich habe geweint. Ich sagte: „Hey, ich hatte einen wirklich harten Tag. Macht es dir etwas aus, wenn ich einfach neben dir sitze, während du für mich Klavier spielst?“ Und er sagte: „Kein Problem“ und ließ mich einfach da sitzen. Ehrlich gesagt, es hat mich geheilt und ich fühlte mich viel besser. Er spielt unglaublich, improvisiert einfach auf dem Klavier, und es war wunderschön, und so wurden wir Freunde. "

„Und dann haben wir während der Pandemie hier und da SMS geschrieben und dann Memes von dem Kerl mit dem Schwanz während COVID geschickt. Du kennst das“, sagt sie.

„Wenn Sie es sehen würden, würden Sie wissen, um welches es sich handelt“, sagt Erick.

„Wir schicken es Ihnen.“

Aus der Freundschaft entwickelte sich schließlich auch eine musikalische Partnerschaft für Alisons jüngstes Projekt, das Whyte Fang-Album „GENESIS“, das sich in raueres, von Warehouses inspiriertes Terrain bewegt und auch von Witch House beeinflusst ist, übersät mit scharfen, druckvollen Tritten und Stichen und Loops – all das ist im Laufe ihrer Schwangerschaft in einem kreativen Energieschub zusammengekommen, der mit diesem Coachella-Auftritt unter dem Spitznamen Whyte Fang am Freitag, dem Tag der Veröffentlichung des Albums, seinen Höhepunkt fand. Und als Krönung: „Nächste Woche bin ich im achten Monat!“ sagt sie, als sie geht, um sich auf den Auftritt vorzubereiten.

Als es für Whyte Fang an der Zeit ist, die Bühne zu betreten, ist die Gobi bis zum Anschlag gefüllt. Fesselnde, zeitcodierte Bilder werden auf die Metallgitter projiziert, die Menge tobt, und Erick tritt nach der Hälfte der Veranstaltung vor ein begeistertes Publikum, um ihre Zusammenarbeit „SCREAM“ aufzuführen, die die weitläufige, synthetische Atmosphäre vereint, für die er sich Anfang der 2010er-Jahre in „Flatbush Zombies“ eingesetzt hat mit Whyte Fangs treibendem Festival-Produktionsstil.

„Ich wollte, dass es visuell und lichttechnisch ein komplettes Abenteuer wird, bei dem es nicht wirklich um mich geht“, sagt sie. Als Whyte Fang aufzutreten „war wirklich seltsam, weil ich so in dieser Kiste gefangen bin. Und meine Vision kann ich aufgrund all des Gitters nur begrenzt erkennen. Für mich ging es in der ganzen Show sowieso mehr um die Show als um mich selbst ."

Dies widerspricht in gewisser Weise dem wahren Ethos von Whyte Fangs und Alisons Herangehensweise an Musik im Allgemeinen; In den kurzen Momenten, die das Publikum sie durch das Stahlgitter sieht, wird deutlich, wie körperlich anstrengend dieser Auftritt für sie ist, wie viel sie dafür gibt. Obwohl der Käfig und die Bilder ihr Aussehen verdecken, ist „Whyte Fang“ für Alison eine weitere Möglichkeit, durch das Spektakel eine tiefere Verbindung zwischen ihr und ihrem Publikum herzustellen.

Vor der Show brachte Erick zum Ausdruck, welche enormen Anstrengungen die Headliner und ihre Produktionsteams beim Coachella unternehmen, sowohl was die Kosten als auch den künstlerischen Aufwand betrifft, um den Besuchern diese transzendenten Erlebnisse zu bieten. „Ich liebe Festivalkultur, aber es geht immer darum: ‚Hey, ich bin auf dem Festival.‘ Im Gegensatz zu: Diese Leute sind hier oben und verlieren Geld, um euch zum Lächeln und Tanzen zu bringen und eine gute Zeit zu haben. Ich denke, die Leute versuchen, uns anzusehen, und es ist wie „Sie machen das für Geld“ oder „Sie alle.“ muss so reich sein.' Und manchmal denke ich, aufgrund der Präsentation und der Ernsthaftigkeit, mit der wir unser Handwerk betreiben, könnten sie das vergessen. Ich möchte nie, dass die Leute das vergessen.

„Ich möchte auch zu Protokoll geben, dass ich noch nie eine Frau getroffen habe, die so hart arbeitet wie Alison“, sagt Erick. „Sie ist verdammt schwanger, Bruder. Ich sage ihr, dass nur eine Frau das kann. Und dafür respektiere ich sie wirklich. 10 von 10. Ich habe noch nie jemanden getroffen, der so etwas tun könnte. Sie tritt heute Abend auf, schwanger. Habe hast du das getan?

„Ich habe ihm fünfzig Dollar dafür bezahlt, das zu sagen“, sagt Alison.

Am Samstagabend, der zweiten Nacht, scheiterte das zweitgrößte Zelt im Coachella, das Mojave, kläglich daran, eine gigantische Menschenmasse aufzunehmen, die wie Pinguine während eines Eissturms in der Wüstenhitze Südkaliforniens zusammengedrängt war und sich weit über das Physische hinaus ergoss Grenzen des Zeltes. Drinnen war die Luftfeuchtigkeit wahnsinnig. Sie waren alle zum ersten Mal leibhaftig für Jai Paul da.

Jai Paul verspürte an diesem Abend nicht nur den Druck, seinen ersten Live-Auftritt überhaupt vor einem Publikum zu geben, das weit über das hinausging, was sich die meisten in ihrer gesamten Karriere als Musiker vorstellen konnten, sondern auch den Druck, seiner Musik ein öffentliches Gesicht zu geben nach mehr als 10 Jahren der Dunkelheit, wobei seine Menschlichkeit den Erwartungen seines Publikums widerspricht: denn jeder einzelne seiner Fans hat in seinen Köpfen seine eigene, fehlerhafte Version von ihm erschaffen. Seit seinen frühen Veröffentlichungen und Leaks ist eine ganze Musikgeneration gekommen und gegangen, und seine Tracks haben bei Zuhörern auf der ganzen Welt allerlei schöne und schmerzhafte Erinnerungen hinterlassen, alle mit ihren eigenen Assoziationen und Interpretationen seiner Absichten, alle in Abwesenheit des Mannes selbst. In der Presse wurde er mit Prince verglichen. Diese Voraussetzungen scheinen in diesem Moment seines Debütauftritts alle katalysiert worden zu sein: ein echter Moment des Übergangs zwischen dem Künstler als ultimativem anonymen Außenseiter der Musikindustrie der 2010er Jahre und einer Zukunft im Fokus der Öffentlichkeit.

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Nach einigen Verzögerungen betrat ein Ensemble mit seinem Bruder AK Paul und anderen die Bühne, arrangiert um Felsbrocken und vor CGI-Höhlentauchbildern. Jai schwebt auf die Bühne, mit dunkler Sonnenbrille und langen Haaren, die Hände erhoben, vorsichtig, nah am Mikrofon. Trotz all seiner sichtbaren Angst war seine Stimme perfekt und klang durch „He“ und dann durch die ursprünglich durchgesickerten Titel „Crush“, „100.000“ und „Chix“. Im Pre-Chorus von „Do You Love Her Now“ gab Fabiana Palladino der körperlosen weiblichen Stimme des Titels ihre Stimme, die seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2019 in den Köpfen des Publikums herumschwirrte. Das Publikum brauchte einen Moment, um das zu bemerken war die Frau hinter dem Gesang, brach dann aber in Jubelrufe aus, als sie ans Mikrofon klopfte.

Die vielleicht unerwartetste Lieferung in seiner Setlist war „All Night“, ein Stück, das zwar wunderschön ist, aber in den Jahren, seit es durchgesickert ist, nicht ganz so herausragt wie die anderen von Paul. Beim Coachella an diesem Abend spürte man jedoch, wie Tausende und Abertausende Herzen auf einmal sanken, als diese Akkorde erklangen. Vielleicht fühlte Jai damals auch etwas; Mitten im Lied saß er mitten auf der Bühne und lächelte warm im Rampenlicht, als ob er zum ersten Mal in dieser äußerst seltsamen und unverständlichen Situation, in der er sich befand, seine Deckung fallen ließ. Allerdings ließ die emotionale Kraft dieser Situation nach Vergleich zu „Jasmine“, wo es schien, als ob ein Meer von Menschen eine Art unbeschreibliche, jenseitige Katharsis erlebte. Tränen wurden vergossen. „BTSTU“, das folgte, war eine Siegesrunde, bei der die gesamte Menge den Refrain sang: „Ich weiß, ich war schon lange weg/ich bin zurück und ich will, was mir gehört“, eine Zeile, die großen Anklang gefunden hat Jahre zu diesem Zeitpunkt aus verschiedenen Gründen, aber es fühlt sich an wie eine Prophezeiung, die jetzt für Jais eigenes Leben und seine Karriere wahr geworden ist. Da er aus London stammt, scheint es auch fast seltsam, dass ausgerechnet Coachella der Austragungsort dieses Debütmoments für ihn sein würde; Natürlich ging es um Geldgespräche, aber angesichts der besonderen Macht, die Coachella zu Beginn des letzten Jahrzehnts über das weltweite Musikbewusstsein hatte, war dieser Auftritt in gewisser Weise nicht nur eine Nachstellung dessen, was hätte sein können, wenn die Geschichte anders verlaufen wäre , aber es fühlte sich klar an, dass dies auch der Beginn eines längst verdienten zweiten Akts für Jai war.

Es ist wahrscheinlich, dass jeder, der dies liest, bereits eine vollständige Meinung darüber hat, was in der folgenden Nacht geschah. Es gab unzählige Ego-Accounts auf TikTok und Instagram, Podcast-Interviews mit entlassenen Eisläufern, Takedowns durch prominente Medienunternehmen und andere Künstler.

Nach Angaben seines Teams soll sich Frank in der Woche vor dem Auftritt eine Knöchelverletzung zugezogen haben. Inwieweit diese Verletzung an der letztendlichen Entscheidung beteiligt war, die ursprüngliche Eisbahnbühne (die das zentrale Merkmal der Aufführung gewesen wäre) abzubauen und den Auftritt für den Sonntag des ersten Wochenendes zu ändern, ist unklar, obwohl dies der Grund dafür war Franks Team für seinen Ausfall des Festivals am zweiten Wochenende.

Den für die Aufführung angeheuerten Skatern zufolge war Frank offenbar mit dem Festival im Hinblick auf eine Art Zögern, Enttäuschung oder Missbilligung im Vorfeld des Sonntags im Gespräch mit dem Festival und/oder der Festivalproduktion.

Am Sonntag wurde beschlossen (bzw. umgesetzt), die an diesem Tag errichtete Eisbahnbühne abzubauen. Die zusätzliche Zeit, die benötigt wurde, um diese Eisbahn zu zerlegen (oder möglicherweise sogar zu schmelzen) und dann die Hauptbühne wieder aufzubauen, führte zu Verzögerungen bei der Show, zwischen 45 Minuten und einer Stunde nach der Startzeit um 22:00 Uhr. Früher am Nachmittag wurden Skater, die eine Rolle in der Show spielen sollten, über ihre Entlassung informiert oder gebeten, anstelle der Eislaufvorstellung, für die sie trainiert hatten, in ihren maßgeschneiderten Prada-Uniformen durch die Show zu laufen. All diese Veränderungen geschahen ohne das Wissen der Zuschauer, von denen viele über zehn Stunden lang im dicht gedrängten Bühnenvorraum gestanden hatten, um Frank zu sehen.

Dann begann die Show, und für eine Weile war nur ein riesiger Video-Feed der Skater zu sehen, die in konzentrischen Kreisen in entgegengesetzte Richtungen gingen und sich auf dem Teil der Bühne befanden, der dem Publikum am nächsten war. Schließlich beginnen die Kameras, im Hintergrund hinter den Skatern ein umfangreiches Studio-Produktionssetup einzufangen, das Schlagzeug, Tasten, eine Reihe analoger Synthesizer, Mikrofone und Studioausrüstung enthält, und dann kurze Einblicke in Frank selbst in einer blauen Mammut-Pufferjacke .

Er beginnt mit „Novacane“, seinem wohl Durchbruchshit, vom Debüt-Mixtape „nostalgia, ULTRA“. Ein inzwischen entferntes Video des gesamten Auftritts zeigte eine Menschenmenge vorne, die hüpfte und die Texte rief, und das Gleiche gilt für Franks Darbietung von „Crack Rock“. Beide Tracks verdeutlichten die Absicht der Show: Der Liedtext „Memet Her at Coachella“ löste aus offensichtlichen Gründen bei „Novacane“ eine starke Resonanz aus, aber, was noch wichtiger ist, bei „Crack Rock“, denn der Vers „fuckin' pig get shot/“ Dreihundert Männer werden nach mir suchen/Mein Bruder wird erwischt/Und niemand hört den Ton“, ließ Frank die dritte Zeile absichtlich weg und ließ die Menge für ihn singen.

Die Musik war von langen Phasen der Stille geprägt, während sich die Menschen auf der Bühne auf das vorbereiteten, was als nächstes kam, und die Menschen in der Menge dazu zwangen, im Moment präsent zu sein, egal ob das bedeutete, auf seine Gedanken zu hören – „Welcher Titel kommt als nächstes?“ oder „Diese Typen“. neben mir wird nicht aufhören zu reden. In diesen langen Phasen der Stille hatten die Menschen keine andere Wahl, als das Geschwätz der Menschen um sie herum zu hören, deren Knie nach 12 Stunden, in denen sie durch das Fest marschierten, nachgaben. Theoretisch hätte die Stille die Leute vielleicht auch dazu gezwungen, empfänglich für die Experimente zu sein, die ihnen angeboten wurden, aber das passierte den meisten offensichtlich nicht: Draußen am Rande des Meeres aus Zuschauern herrschte eine fast feindselige Atmosphäre .

Frank spielte eine stark überarbeitete Version von „White Ferrari“ von „Blonde“ und sang wunderschön zu schwungvollen Synth-Arpeggios, die weit von der Studioversion entfernt waren. Irgendwann ließ er die Mikrofone stehen, tanzte und sprach den Text zu einem Hi-Fi-Mix von „Chanel“, der sich dann in einen unveröffentlichten Sango-Remix des Titels verwandelte, gemischt von DJ Crystallmess. Er wandte sich auch direkt an die Menge und kommentierte, dass seine Anwesenheit ein Versuch sei, die Erinnerung an seinen Bruder zu ehren, der kürzlich bei einem Autounfall ums Leben kam, und erzählte eine Anekdote über eine glückliche Erinnerung, die sie vor Jahren beim Coachella-Treffen mit Rae Sremmurd teilten.

Was die Frage angeht, warum dieses Set so viel Zorn erregte, ist klar, dass das Problem nicht in den formalen Elementen liegt, die am häufigsten Gegenstand von Beschwerden sind – z. B. dass Frank zu „Chanel“, seinem Jersey-Club-Zwischenspiel mit Crystallmess, tanzt und nicht singt auf den Decks und der New Orleans Bounce-Künstler Ha Sizzle als twerkender Sicherheitsbeamter – da andere Künstler bei Coachella solche Elemente in ihre Auftritte integriert haben. Für Rapper ist es üblich, den Originalgesang ihrer Tracks zu übertönen, und auch die anderen minimalistischen Bühnenauftritte der diesjährigen Ausgabe kamen gut an. Als Yaeji zum Beispiel am Samstag etwa eine Stunde vor Jai Paul im Mojave anfing, hatte sie in der Gobi eine große Menschenmenge in der Hand. Ihr Live-Set verzichtete auf jegliche Art von DJ-Equipment oder -Instrumenten, wobei die Künstlerin selbst zu ihren Tracks sang, begleitet von Tänzern: ein großer Rave ohne Decks (und ein weiterer klassischer Fall unglücklicher gleichzeitiger Coachella-Buchung gegen Jai Paul).

Es ist vielmehr die Interpretation von Franks Apathie gegenüber diesen desorganisierten Elementen seiner Darbietung, die die Wurzel dieser Kontroverse ist. Welche Elemente auch immer sich am Sonntag in der Aufführung herauskristallisierten, sie sorgten dafür, dass sie eher einer konzeptuellen Kunstinstallation ähnelte als dem, was wir von einer typischen Coachella-Headlineshow erwarten, die heutzutage in Sachen Spektakel einer Superbowl-Halbzeit vergleichbar wäre Leistung. Jegliche Apathie gegenüber einem Publikum, unabhängig davon, ob Frank tatsächlich Apathie hatte oder nicht, ist fast schlimmer als offene Verachtung gegenüber einer Menschenmenge, weil es ihnen keinen Raum lässt. Die Rolle eines Künstlers bei diesem Festival besteht darin, durch seine Darbietung eine Verbindung zwischen ihm und dem Publikum herzustellen oder einfach nur die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Darüber hinaus scheint der Bühnenwechsel besonders brutal für die Produktionsteams gewesen zu sein und frustrierend für die Darsteller, die nicht in der Lage waren, die Leistung zu erbringen, für die sie trainiert hatten. Dennoch gab es dort eine überzeugende, wenn auch unvollendete oder unvollständige Aufführung, die denjenigen, die über ihre Erwartungen hinausblicken konnten, Momente der Transzendenz bot.

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„Ich denke, konzeptionell hat mir die Show wirklich gefallen“, sagte Caché, ein Fan aus Chicago, der Coachella besuchte, um Franks Auftritt zu sehen. „Ich habe es auch genossen, Punkt. Und ich konnte seinen Prozess sehen, und das ist ein ganz entscheidender Teil für mich. Ich liebe es, einen Künstler in seinem Prozess zu sehen, und ich habe das Gefühl, dass ich das am Sonntag sehen durfte. Ich fühle mich wie ich.“ Ich habe gesehen, wie Frank Ocean seinen Prozess durchführte. Und diese kleinen Zwischenspiele und Dinge, das waren Momente, die seiner Meinung nach so waren... Wenn er eine Aufführung machen würde, nur weil er es tat und nicht wegen einer Vertrag oder so etwas, ich bin mir sicher, dass es ungefähr so ​​aussehen würde. Nur er in einem Raum, der singt und Beats spielt und solchen coolen Scheiß macht. Ich habe diesen Auftritt wirklich genossen. Ich mochte den Remix von „White Ferrari“. Und ich Das war so: Punkt. Das ist es, was man tun sollte. Ich liebe es, wenn ein Künstler seine alten Songs für einen Auftritt remixt. Ich denke, wenn die Leute besonders zu Festivalauftritten kommen und eine Durchschrift des Albums erwarten, Sie „Wir werden enttäuscht sein. Das Album und ein Live-Auftritt sind zwei verschiedene Dinge, und dann sind ein Konzert und ein Festivalauftritt zwei verschiedene Dinge.“ Das ist einfach nicht die Realität. Wenn also die Leute zu diesem Auftritt kamen und dachten, sie würden Frank Ocean von vor sechs Jahren und sein Album bekommen, dann ist das einfach nicht der Fall. Er ist als Mensch gewachsen und die Dinge haben sich verändert.

Da sowohl Coachella als auch Franks Team nach der Medienreaktion keine andere Wahl haben, als zu versuchen, ihr Gesicht zu wahren, ist es leicht, an allen Fronten ein gewisses Maß an Gier oder bösen Absichten anzunehmen, aber dieses ganze Debakel scheint auf eine Reihe von Inkongruenzen oder Fehleinschätzungen zurückzuführen zu sein : Coachella buchte Frank zunächst für einen Headliner-Slot, da er die introspektiven Qualitäten seines Oeuvres und früherer Festivalauftritte kannte, ohne irgendeinen Notfallplan und irgendeinen Produktionsfehler oder eine Fehleinschätzung (oder Apathie) seitens Frank im Laufe der Zeit auch so. Coachella erstattete keine Tickets und konnte einen Ersatz-Act buchen: erneut Fred, Skrillex und Four Tet für die folgende Woche, was gut ankam, auch wenn es die Frank-Fans nicht beruhigte.

Für viele andere in der Menge macht die Realität diese Diskussion jedoch hinfällig. Viele von ihnen gaben unglaublich viel Geld aus, um das gesamte Festival zu besuchen, in der Hoffnung, ihren Lieblingskünstler zu sehen, der, abgesehen von einer Reihe von Nachtclub-Events in NYC im Winter 2019/20, schon seit einiger Zeit nicht mehr aufgetreten ist. Ob es für die meisten eine kluge Entscheidung war, in die Wüste zu fahren und ganz Coachella zu besuchen, nur um Frank zu sehen, oder nicht, es spricht für die fast religiöse Macht, die Künstler und insbesondere Frank über ihr Publikum haben, und darüber, inwieweit sie damit zurechtkommen müssen Erwartungen des Publikums und sind dafür verantwortlich, diese in Übereinstimmung zu liefern. Franks Publikum hat durchaus das Recht, von der Aufführung enttäuscht zu sein.

Weit hinter der Gesundheit und dem Wohlbefinden des Publikums steht eine andere Frage im Spiel: Was Franks Auftritt speziell für die Tanzmusik bedeutet haben könnte. Geben Sie dem unglaublich talentierten Pariser DJ Crystallmess die Gelegenheit, Jersey-Club- und Sango-Remixe seiner Songs auf einem göttlich ausgestatteten Set von CDJs zu rippen, das vom verstorbenen Virgil Abloh entworfen wurde, auf der größten Bühne des bekanntesten Musikfestivals in Amerika hätte als eine Art monumentale Errungenschaft für den Künstler, das Subgenre und die Tanzmusik im Allgemeinen angesehen werden müssen, wenn nicht für alles andere, was es umgab. Die Unternehmungen PrEP+ und Homer Radio, die diese Aufführung beeinflusst haben, sind beide tief in der queeren Geschichte der Tanzmusik verwurzelt, und das Crystallmess-Zwischenspiel bei Coachella passt gut in diese Richtung. In dieser Hinsicht war es bedeutungsvoll, wurde aber von dem breiteren öffentlichen Diskurs rund um die Aufführung in ihrer Gesamtheit weit überschattet.

Coachellas Entscheidung, die gesamte Aufnahme von Franks Ersatz-Act aus Woche 2, wieder ein B2B2B zwischen Fred, Skrillex und Four Tet, auf YouTube zu veröffentlichen, scheint sowohl ein Verschulden von Goldenvoice als auch eine ehrliche Befürwortung dieses speziellen Sets zu sein: die Veröffentlichung Das Set scheint eine praktische Möglichkeit zu sein, die Schlagzeilen von der anhaltenden Kontroverse rund um den immer noch rätselhaften Auftritt von Frank Ocean abzulenken. OMG TBA hat zwar ein beachtliches Set abgeliefert, aber der Retter, den die Fans in den Kommentaren und in der Presse dem Ganzen entgegenbringen, fühlt sich seltsam an. Es sind DJs, die die Hauptbühne von Coachella schließen, aber es ist keine Underdog-Geschichte, es ist das größte Festival des Landes, das sich hastig einen sicheren Ort mit viel niedrigeren Produktionskosten gesichert hat. Die festivalgroßen Remixe von Popsongs, die die 90 Minuten dominierten, spiegelten seinen Status als Beispiel für die Kommerzialisierung von Tanzmusik und nicht für Kultur wider.

Coachella scheint sich mitten in einer gewissen Identitätskrise zu befinden, da es sich wirklich zu einer der herausragenden Institutionen der Musikindustrie entwickelt. Die Buchung ist absolut erstklassig, aber in ihrem übertriebenen, gigantischen Ausmaß ist etwas ungeschickt. Es ist alles ein unnatürlicher Kampf in diesem riesigen Komplex, der jedes Jahr am dürregeplagten Rand der Wüste in Südkalifornien immer wieder aufgebaut und abgerissen wird. Es ist einfach keine Umgebung, die dem menschlichen Leben von Natur aus förderlich ist. Am Ende wird die Wüste gewinnen, aber in der Zwischenzeit gewinnt bei Coachella immer das Haus.

David McGraw ist ein freiberuflicher Autor und Fotograf. Folgen Sie ihm auf Instagram